ESTUDIO DE OBRA DE 10 ARTISTAS

1. GOYA

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

 

2. EL BOSCO

El Bosco o Jerónimo Bosch (Bolduque, h. 1450 - agosto de 1516) fue un pintor neerlandés.

La protagonista de sus cuadros es la humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal. En los últimos años de su actividad, su estilo cambia pintando cuadros con un menor número de figuras pero de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador.

Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de 'El Bosco' es su "surrealismo" sintetizado con el típico expresionismo teutónico. En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Una de las explicaciones para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto influye para que 'El Bosco' intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si 'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna.Tanto en las pinturas de asunto religioso como en las de tema profano introdujo todo un mundo de seres, ora normales, ora monstruosos, presentados en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, poblado de figurillas fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal.

 

 

3. DANIEL RICHTER

Es uno de los máximos representantes de la pintura alemana contemporánea.La pintura de Richter, llena de personajes e inspiradas a menudo en reproducciones de periódicos o de libros de historia, transmiten con extraordinaria intensidad las amenazas a las que se ve sujeto el género humano.

Su obra, muy comprometida con la sociedad, muestra una extrema sensibilidad a los acontecimientos políticos y sociales contemporáneos. Uno de sus temas recurrentes es el fracaso de la utopía moderna, aunque también se suele referir (a veces de forma indirecta) a otros temas de actualidad, como la violencia y la inmigración.

La pintura de Daniel Richter ha sido considerada como un “renacimiento de la pintura histórica”. Sus temas se inspiran en los grandes maestros de la pintura, aunque, sin embargo, esta nueva pintura difiere de las tradicionales en que, mientras que las primeras estaban abiertas a una única interpretación, las imágenes de Richter son mucho más ambiguas, permitiendo múltiples lecturas. Con ello, el artista pretende despertar sensaciones e inquietudes en el receptor, que no queda pasivo ante su obra. Richter desarrolla en su trabajo un cotidiano hábito de apropiacionismo, que se materializa en aspectos como el uso del gran formato, herencia de la nueva pintura modernista americana.

4. OTTO DIX

Otto Dix (Gera, Alemania, 2 de diciembre de 1891 – Singen (Hohentwiel), fue un pintor de la Nueva Objetividad y el Expresionismo alemanes.

El trabajo pictórico de Otto Dix abarca una gran diversidad de estilos, aunque el gran público conoce, principalmente, sus pinturas sobre la guerra. Dibujante excepcional, Otto Dix nos ha dejado 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que, sin duda alguna, evocan la época renacentista. Y es que Dix es, en efecto, uno de los grandes pintores alemanes del siglo XX.Al estallar la Primera Guerra Mundial, Otto Dix se alista en el ejército, en un principio como voluntario en el regimiento de artillería, aunque más tarde, también luchará como soldado raso tanto en Francia como en Rusia. El horror de la guerra, como consecuencia, se convertirá en uno de los temas fundamentales de su obra pictórica. A su regreso a Dresde, funda en 1919, junto al también expresionista Conrad Felixmüller (1897-1977), el Dresdner Secession Gruppe 1919, un grupo radical de escritores y pintores expresionistas y dadaístas, con quienes realizará, en 1920, diversos collage de carácter crítico, en su mayoría, sobre la sociedad. El horror que durante la guerra se vio forzado a vivir en primera persona, le dejó, sin duda, una profunda huella que marcó, de manera evidente, toda su obra. Dos años más tarde, Dix se traslada a Dusseldorf. Allí, se une al grupo de artistas Das Junge Rheinland y tan sólo un año después, en 1923, contrae matrimonio con Martha Koch. Entre 1925 y 1927, Otto Dix reside y trabaja nuevamente en Berlín, ciudad en la que su pintura alcanza las cotas más altas de criticismo y análisis de toda su trayectoria artística, influido principalmente por la corriente de la Nueva Objetividad.

5. EDVARD MUNCH

Fué un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del publico lo aclamara con entusiasmo.Estuvo en 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín la cual tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del «Cochinillo negro» lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito una de las obras más importantes de Munch:Refleja la enfermedad, la muerte y la obsesión religiosa que llenaron su infancia y su juventud como la gran mayoría de sus obras. Entre 1894 y 1897 crea sus primeros aguafuertes mientras continua realizando exposiciones en Estocolmo, Berlín y Oslo con una de sus exposiciones con más éxito. Con el estudio de Tolouse-Lautrec, Bonnard y Vuillard creó una serie de bocetos mediante una técnica que puede considerarse un invento común de ambos, como eran los bocetos de óleo sobre papel o bien sobre tableros unidos con cola en el que no se trabajaba el fondo.

Tuvo una mala época como pintor ya que el gobierno nacionalsocialista confiscó 82 cuadros suyos de los museos alemanes. Sus pinturas fueron consideradas como “degeneradas”. La mayoría de sus cuadros plasmaban la muerte o temas que en aquella época resultaban muy polémicos.

En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no quería tener ningún tipo de relación con los invasores ya que le consideraban un demente. Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York.

6. OBRA PROPIA

La obra consiste en el desarrollo de una instalación donde arte y política forman parte del mismo mecanismo de reflexión. La instalación está formada por una composición de banderines y una serie de obra gráfica donde se representan los actuales movimientos de protesta ciudadana. El fin del proyecto consiste en crear un diálogo sobre el momento de crisis que vivimos y proponer un espacio de resistencia donde generar una respuesta desde la intelectualidad. Trato de actuar como artista, pero también como ciudadano y para ello uso los sistemas de difusión del arte, intentando favorecer la aparición de una conciencia crítica en el espectador.

De acuerdo con el discurso político histórico de la lucha racial analizada por Michel Foucault en su curso de 1976-1977 La Sociedad debe ser Defendida, se suele argumentar que los vencedores de una lucha social (el conflicto puede basarse en cualquier elemento social: lucha racial, nacional o de clases) usa su predominio político para suprimir la versión de los hechos históricos de sus derrotados adversarios a favor de su propia propaganda, lo que puede llevar incluso al revisionismo histórico.

Walter Benjamin también consideraba que los historiadores marxistas debían tomar un punto de vista radicalmente diferente del punto de vista idealista y burgués, en un intento de crear una especie de historia desde abajo, que sería capaz de concebir una concepción alternativa de la historia, no basada, como en la historiografía clásica, en el discurso filosófico y jurídico de la soberanía.

La utilización de la historiografía para falsear la historia es tan antigua como la propia disciplina, pero en el siglo XX la capacidad que alcanza el Estado y los medios de comuncación de masas (llamados cuarto poder) permitieron a los regímenes totalitarios jugar con la posibilidad de cambiar la historia, no sólo hacia el futuro, sino hacia el pasado. Las fotografías retocadas fueron una especialidad no sólo de Stalin contra Trotsky, sino del mismo Francisco Franco con Hitler. El propio Winston Churchill tenía claro, incluso desde la democracia, que "La historia será amable conmigo, porque tengo la intención de escribirla". La reflexión acerca de si la Historia es escrita por los vencedores es una tarea más propia de los filósofos de la historia.

Un ejemplo clásico de la historia escrita por los vencedores es la información que nos ha llegado de los cartagineses. Los historiadores romanos atribuyen a sus seculares enemigos diversas crueldades, incluyendo sacrificios humanos, que no podemos contrastar con la otra versión de la historia.

De modo similar, sólo tenemos la versión cristiana de cómo el cristianismo llegó a ser la religión dominante de Europa, pero no la versión pagana. Tenemos la versión europea de la conquista de América, pero no la de los nativos. Heródoto cuenta la versión griega de las guerras médicas, pero no ha llegado hasta nosotros la persa.

Los antecedentes de la obra se remiten a la pintura histórica del s. XIX. El origen de esta conexión se debe a que la pintura histórica muestra personajes y acontecimientos históricos.

En la obra pretendo captar acontecimientos y personajes del momento, a los verdaderos protagonistas de la época que vivimos, pero con un distinto fin. La misión de la pintura histórica aparte de inmortalizar un momento determinado, era el de forjar una conciencia nacional y patriótica. Por mi parte sin embargo, trato de crear una conciencia crítica y reflexiva.frente a los acontecimientos actuales.

Este proyecto ha sido un punto de partida para mí, en el a través de mi obra abordo la reflexión de la escena política actual. En los tiempos que corren el papel del artista debe hacer el mundo mas habitable, e incitar cuestiones que habran una brecha en las conciencias. Los artistas crean obras que intervienen en la vida de las personas. Por eso debemos revelar la verdad, es lo mejor que podemos regalar al mundo.

7.JÖRG IMMENDORFF

Jörg Immendorff (Bleckede, 14 de junio de 1945 - Düsseldorf, 28 de mayo de 2007) fue un pintor neoexpresionista alemán.Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, fue uno de los más destacados pintores alemanes de la posguerra al que se le encuadra en la escuela de los denominados nuevos fauves. Del conjunto de su obra destaca la serie de la década de 1970 titulada Café Deutschland, donde trataba la división entre la República Federal de Alemania y la República Democrática. Amigo personal del ex Canciller de Alemania, Gerhard Schröder, uno de sus últimos trabajos fue la realización de un retrato del mismo una vez concluido su mandato para la denominada Galería de los cancilleres en Berlín. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Múnich.

En el ámbito político, fue un maoísta confeso, muy crítico con el pasado nazi alemán y un ferviente defensor de la protección del medio ambiente.

8. MONA HATOUM

Nació en 1952 en el seno de una familia palestina originaria de la ciudad de Haifa, ciudad que en 1948 se ven obligados a abandonar para terminar recalando en la capital libanesa, debido a los enfrentamientos que afectaban a los palestinos.Estudiará en el Beirut University College, de Beirut durante los años 1970-1972. En 1975 realiza una breve visita a Londres, durante la cual estalla la guerra civil libanesa, esta situación le impedirá regresar a su país, viéndose obligada a iniciar una nueva vida en la capital británica. Comenzará su formación en la Byam Shaw School of Art, durante 1975-1979, y pasará a la Slade School of Art, también en Londres, durante los años 1979-1981, donde estudiará con Stuart Brisley, una de sus primeras influencias.A comienzos de los años 80, es cuando empieza a realizar performances y vídeo. Tras un primer tiempo de experimentación formal en el que establece la que sería una relación duradera con el minimalismo, su paso por la Slade la politiza llevándola a un terreno más conceptual en el que primará su preocupación por el funcionamiento de las estructuras de poder. Es en este contexto en el que lleva a cabo la mayoría de sus performances cargadas a menudo de un denso contenido político. En un segundo momento, pero también dentro de esta primera etapa en la que su trabajo aparece fuertemente marcado por acciones temporales, comienza con la elaboración de vídeos, entre los que nos encontramos con obras tan significativas como Measures of Distance (1988), que trata temas como la representación de estereotipos femeninos o las relaciones materno-filiales, dentro, eso sí, de un encuadre marcado por el sentimiento de pérdida y desorientación que trae consigo el exilio y la comunicación en el desplazamiento.


En 1989, Hatoum expone su primera gran obra escultórica "La luz al final" en el Showroom de Londres. La misma pieza se expuso al año siguiente en el British Art Show.
 Su trabajo en los años 90 evoluciona hacia obras menos narrativas que permiten, por tanto, un mayor nivel asociativo. A través de las esculturas y las instalaciones, Hatoum realiza obras que parecen hacer referencia al minimalismo, aunque tan sólo desde un punto de vista puramente formal y de utilización de materiales. Sus instalaciones nos trasladan, a menudo, a un espacio de fantasía en el que, como sucede en Corps étranger (1994), nos enfrentamos al poder metafórico del cuerpo en general a través de conceptos como lo público y lo privado en la imagen del cuerpo femenino.

 

 

9. BARRY REIGATE 

Barry Reigate (Londres, 1971) . Barry realiza esculturas, pinturas y dibujos que tienen como base los instintos más básicos del deseo y el horror. Por ello su estilo es descarado, y hace uso de prototipos inofensivos como Mickey Mouse para acabar realizando parodias de negro humor hacia las actitudes actuales ante los productos fetiche y el tabú cultural. Frecuentemente usa temas controvertidos para subrayar la hipocresia que rodea a temas como la sexualidad, la raza o la clase. Persigue hacer algo ante el desorden político de la sociedad, donde el arte parece casi una disculpa que necesita ser validado.
 

Obras que fusionan el humor satírico de aire infantil con la violencia y la variedad cromática, consiguiendo en una misma obra la referencia tanto a los dibujos animados populares como al arte moderno del último siglo.

  
 

10. JOSEPH BEAUYS

Joseph Beuys (Krefeld, 12 de mayo de 1921 - Düsseldorf, 23 de enero de 1986) fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación.Beuys afirmaba que combatió como piloto en la Segunda Guerra Mundial, se estrelló en Crimea y, a punto de morir congelado, unos nativos lo rescataron y lo envolvieron con grasa y fieltro para evitar su muerte. En cualquier caso, ambos elementos aparecerán constantemente en su obra.


Trabajó de profesor universitario hasta que fue expulsado años después. Su obra realizada en su tiempo de profesor, afecta en la relación de la pedagogía con el estudio del arte, ya que Beuys cambio totalmente el enfoque de enseñanza que se tenía hasta el momento.
De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura.En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de publico.


En Como explicar los cuadros a una liebre muerta 1965 se puso miel y pan de oro en la cabeza y le hablaba sobre su obra a una liebre muerta que tenía entre sus brazos. En esta obra vincula factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gestualidad corporal, a su conciencia de comunicador que tenía como receptor a un animal. Beuys asumia el papel de chamán con potestad de curar y salvar a una sociedad que él consideraba muerta.


En 1974 llevó a cabo la acción Me gusta América y a América le gusto yo donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja, constituyeron el vehículo de su creación. Convivió tres días con el coyote. Apilaba periódicos estadounidenses símbolo del capitalismo de ese país. Poco a poco el coyote y Beuys se van acostumbrando uno a otro y al final Beuys abraza al coyote.


Beuys repite muchos objetos utilizados en otras obras. Objetos que difieren de los ready-made de Marcel Duchamp no por su naturaleza pobre y efímera, sino por ser parte de la vida del propio Beuys que los “ha puesto ahí” tras convivir con ellos y haberles dejado su huella. Muchos tienen relación autobiográfica como la miel o la grasa utilizada por los tártaros que le salvaron durante la segunda guerra mundial. En 1970 realizó asimismo su Traje de fieltro.


En 1979, el Museo Guggenheim de Nueva York exhibió una gran retrospectiva de su obra, consolidando su reputación como uno de los más importantes de su tiempo.Beuys tuvo otra cara, más en relación con la política. Creó en 1967 el Partido Alemán de Estudiantes, cuyos objetivos básicos eran educar a todas las personas en la madurez intelectual y propiciar el concepto ampliado del arte. En 1971 esta organización se transformó en la Organización para la Democracia por Referéndum, para la posibilidad de una democracia directa, más allá del comunismo y del capitalismo.

11. RIIKO SAKKINEN

Es un artista finlandés que explora la cultura de consumo. Sakkinen nació en Helsinki (Finlandia), el 2 de julio de 1976, en una familia de clase media y de ideología comunista. Advertido en el colegio de que no sabía dibujar, comenzó escribiendo poemas, hasta que tras ver la exposición de Ilya Kabakov Operation Room (Mother and son) en 1994 decidió que él quería ser artista y comenzó su interés por las artes plásticas.Al terminar el instituto quiso entrar en la academia finlandesa de Bellas Artes, y aunque al principio no fue aceptado, finalmente lo logró. Allí coincidió con quien mas tarde ha sido gran amigo y pareja artística Jani Leinonen. 

 Durante la carrera universitaria viajó por Europa: Estocolmo, San Petersburgo, Berlin, Madrid… y se centró más en la idea de ser artista que en la producción de obra en sí. En 2002 se licenció en la academia y marchó a Londres, acogido por el centro artístico de Camden y Delfina Studios; a los Balcanes con sus colegas Katia Tukiainen y Niko Luoma para la realización del proyecto que consistiría en la colocación carteles racistas ilegalmente por las calles, y más tarde iría a Bélgica.Fue entonces cuando el mundo aumentó sus dimensiones para el artista y sus viajes comenzaron a concluir en países de América y Asia. Su último viaje fue a Beijing, donde co-realizó obra con el pintor vasco Judas Arrieta y participó en la 798 Beijing Biennale.

En 2010 el artista creó su propio movimiento artístico llamado Turbo realismo. Movimiento en el que el arte es considerado un arma que cambiará el mundo, que construye el único arte adecuado a ser considerado contemporaneo, que es ventana al capitalismo globalizado y a todos los capitalismos existentes, y que, según predice el artista, sus militantes serán llamados a los campos de refugiados que previene el post-capitalismo construirá.